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Hallo!
(2003)
Ein
Pentachon vom hohen Dom zu Köln.
(Klick
auf das Werk zeigt Großansicht in 3000 x 600 Pixeln!)
Die
Fotogalerie wird noch erweitert,
sobald ich wieder inspiriert bin.
Einstweilen
und im Folgenden haben Rezensenten der internationalen Kunstszene das
Wort.
Wir beginnen mit Bernard Dumont aus Marseille/Frankreich:
Certains artistes prennent un thème et le déclinent. C'est
le cas général. On fait, on sait faire, et on fait. Certains
autres vont plus à l'aventure. Comme si chaque production était
aussi une tentative d'oubli de la précédente. Comme s'il
fallait toujours voir ailleurs.
Les premiers sont en vedettes, et non sans raison.
Le «refaire» marque davantage que le faire, parce que nous
sommes hommes et femmes de mémoire. Suivre les «autoportraits»
de Rembrandt, ou les différentes «Sainte-Victoire»
de Cézanne, ou les infinies danseuses de Degas, les Tahitiennes
de Gauguin, les collages de Matisse. Vivre et mourir, dans cette idée
de la trace, de ce qui reste, de ce qui se suit à soi, de ce qui
se suit et se suit encore.
D'autres
artistes vont ailleurs. Ils se risquent eux-mêmes, dans des nouveautés
d'eux à eux, et d'eux au public éventuel. Le plus souvent,
ce n'est pas très intéressant, parce que ce n'est pas lisible.
Notre temps aime à savoir la période bleue de Picasso, puis
sa période rose, puis le cubisme. Mais que soient montrés
(peint, écrit, photographié, philosophé) des objets
d'une chronologie dérangeante, au sens de l'humain dérangement,
voilà pourtant ce qui pourrrait faire adéquation: se voir
dans sa différence.
A ce titre, le travail de Michael von Aichberger est ambigu, et d'une
manière forte. Il tient un média (la photographie), mais
il détient (au sens de rejeter) le sujet de son support. Intimiste,
rarement, anecdotique, parfois, illustratif, il se peut, nouvelles technologies,
on le verra, nature-mortien, il ne le rejette pas ... Cette polyvalence
va choquer les collectionneurs, qui ne sauront où donner de la
tête, et des euros. Elle va choquer, j'imagine, tous ceux qui le
connaissent, et qui vont investir sur une image, et une seule, en rejetant
les autres. Mais elle - cette polyvalence - ne peut qu'être admirable
pour l'ami, qui voit dans ces renouvellements une attitude de liberté
affirmée.
Entre
le flou de «Last Minute», qui n'a de flou que l'égarement
de l'oeil de qui le voit; entre les semi-objectivités de «Nachtprogramm
I» et «Nachtprogramm II», qui montrent ce qu'elles doivent
montrer (un documentaire sans document); entre la «Gulaschsuppeğ,
vue de haut (cette assiette improbable dont on rêve dans un mélange
entre l'Occident et l'Asie); entre les fluo-parkings et autres perspectives
du souvenir et du reflet du monde; entre tous ces éléments,
donc, se joue ce risque de diversité, ce risque à être,
et ce risque à n'être pas. Dire une diversité, c'est
risquer l'oubli. Risquer l'oubli, c'est un peu plus qu'être, parfois.
Soweit
Bernard Dumont aus Frankreich.
Für alle jene, die die Sprache Cézannes, Gauguins
und Matisses nicht beherrschen, nachstehend
der Versuch einer Übersetzung durch meine Wenigkeit
in die Sprache Rembrandts:
Manche
Künstler nehmen sich ein Thema vor und deklinieren es wie eine Vokabel.
Das ist der Normalfall. Man macht. Man weiß, wie es geht, also macht
man. Für andere ist die Kunst ein Abenteuer: Jedes neue Werk ein
Versuch, das letzte zu vergessen. Als müsse man ewig Neues schaffen.
Die Erstgenannten stehen im Rampenlicht und das nicht ohne Grund: Die
Masche fällt mehr auf als das Einzelstück, weil
wir alle Erinnerungsmenschen sind. Aufmerksam verfolgen wir die Reihe
von Rembrandts Selbstportraits, oder Cézannes diverse
Sainte-Victoires" oder die unzähligen Tänzerinnen
von Degas, die Tahitierinnen von Gauguin, die Collagen von Matisse. Auf
Gedeih und Verderb folgen wir der Spur dessen, was Bestand hat, dessen,
was auf sich selbst folgt, wieder und wieder.
Andere
Künstler schweifen umher. Sie setzen ihre Identität aufs Spiel,
indem sie sich immer wieder neu definieren, vor sich selbst und vor ihrem
eventuellen Publikum. Meistens ist das nicht sehr interessant, weil es
nicht deutlich wird. In der heutigen Zeit möchte man Picassos Arbeit
einordnen können in eine blaue Periode, eine rosa Periode und schließlich
den Kubismus. Dass aber Objekte in ungeordneter Abfolge gezeigt (gemalt,
geschrieben, fotografiert, philosophiert) werden könnten, ungeordnet
im Sinne menschlicher Unordnung, das kann dennoch Sinn machen: Sich selbst
in der eigenen Unterschiedlichkeit begreifen.
In
diesem Sinne ist die Arbeit von Michael von Aichberger vieldeutig und
in gewisser Weise überzeugend. Er hält sich an ein Medium (die
Fotografie), aber er versagt dem Motiv seine Unterstützung. Intim,
selten, anekdotisch, manchmal, illustrativ, kommt vor, neue Technologien,
man wird sehen, stilllifig, auch nicht abgeneigt ... Diese Vielseitigkeit
wird Kunstsammler vor den Kopf stoßen, die nicht wissen werden,
worauf sie sich einlassen, mental und finanziell. Ich kann mir vorstellen,
dass sie auch die vor den Kopf stossen wird, die ihn kennen, die in ein
Bild investieren, in ein einziges, und alle anderen ablehnen. Ein Freund
kann diese Vielseitigkeit nur bewundern, für ihn sind diese Häutungen
eine Manifestation von kreativer Freiheit.
Zwischen
der Unschärfe von Last Minute - Unschärfe nur in
der Verirrung des Auges dessen, der sie sieht; zwischen der Semi-Objektivität
von Nachtprogramm I und Nachtprogramm II, die
zeigen, was sie zeigen sollen (eine Dokumentation ohne Dokument); zwischen
der Gulaschsuppe von oben betrachtet (dieser unwahrscheinliche
Teller von dem man träumt in einer Mischung aus Asien und dem Westen);
zwischen dem Neon-Parkhaus und anderen Ansichten, Andenken und Weltanschauungen;
zwischen all diesen Elementen also, lauert dieses Risiko der Vielseitigkeit.
Das Risiko zu sein und das Risiko, nicht zu sein. Vielseitigkeit birgt
das Risiko, übersehen zu werden. Das Risiko einzugehen, übersehen
zu werden, ist ein bisschen mehr als zu sein. Manchmal.
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